VERSION RESTAURÉE 

SORTIE LE 27 JUIN – Rétrospective Dario Argento

TOUS LES FILMS DE LA RETROSPECTIVE SONT INTERDITS AUX MOINS DE 12 ANS

 

Fascinant réalisateur italien depuis un demi-siècle, Dario Argento est le maître emblématique et incontesté du Giallo, thriller à l’esthétique baroque et expressionniste, où la peur évolue vers le fantastique et l’horreur.

Magicien de la pure sensation, Dario Argento transcende le film de genre en lardant ses oeuvres de références esthétiques, psychanalytiques, érotiques et fétichistes.

Ses fans à travers le monde savent que l’on ne sort pas indemne de la vision de ses oeuvres, embarqués par la singularité de ses images et de sa bande son, hard-rock ou techno-hypnotique s’il le faut, au delà de la frontière entre le réel et le fantastique, projeté dans le surnaturel.

La sortie de cinq films emblématiques de son univers nous plonge dans la quête éperdue d’une vérité toujours impossible à cerner, dans cette « inquiétante étrangeté » chère à ses maîtres, Freud et Hitchcock.

 

L’OISEAU AU PLUMAGE DE CRISTAL

 Italie, 1970, 1h32 – Visa 37143

Avec Tony Musante, Suzy Kendall, Enrico Maria Salerno, Eva Renzi

Sam Dalmas, un écrivain américain de passage à Rome assiste à l’agression d’une jeune femme. Déclaré témoin oculaire par la police, Dalmas décide d’effectuer ses propres recherches.

« Alors qu’il vient de co-écrire avec Bernardo Bertolucci l’histoire de Il était une fois dans l’ouestde Sergio Leone, le jeune Dario Argento signe son premier film. Coup de tonnerre dans le ciel du thriller transalpin et acte de naissance fracassant de l’un des futurs maitres du cinéma de la peur, L’oiseau au plumage de cristalpopularise un genre, le giallo, né en 1924 sous la forme de romans de gare et dont Mario Bava avec La fille qui en savait trop et Six femmes pour l’assassinen 1964, a forgé les codes cinématographiques. L’oiseauporte déjà toutes les traces du futur réalisateur de Suspiria dont un soin inégalable apporté à la beauté formelle. Mis en musique par Ennio Morricone , L’oiseau au plumage de cristalmarque également les débuts de Vittorio Storaro, le futur chef opérateur d’Apocalyspe Now et du Dernier tango à Paris. »Jean-Baptiste Thoret

 

LE CHAT À NEUF QUEUES

 Italie, 1971, 1h52 – Visa 37641

Avec James Franciscus, Karl Malden, Catherine Spaak

Le reporter Carlo Giordanni et Franco Arno, un ancien journaliste devenu aveugle, enquêtent sur le meurtre d’un membre de l’institut Terzi, spécialisé dans la recherche génétique et les prédispositions chromosomiques à la violence.

« Deuxième volet de sa trilogie animale débutée un an plus tôt avec L’oiseau au plumage de cristal,Dario Argento signe avec Le chat à neuf queuesune variation réjouissante autour des codes du giallo, en même temps qu’il rend hommage à l’horreur gothique italienne dans une fameuse séquence de cimetière brumeux. Autour d’une intrigue riche en énigmes et en chausse-trappes, Argento affûte son style. Tourné en cinemascope et doté d’un casting international (James Franciscus, sorti des Évadés de la planète des singes, et Karl MaLden, vedette cathodique des Rues de San Franciscoet second couteau deja confirmé du cinéma hollywoodien), le deuxième film d’Argento fait enfin de la famille et de la filiation, l’origine de tous les maux et des pathologies criminelles. »Jean-Baptiste Thoret

 

SUSPIRIA

Italie, 1977, 1h35 – Visa 47387

Avec  Jessica Harper, Stefania Casini, Flavio Bucci

Une jeune ballerine américaine arrive dans la prestigieuse académie de dans de Fribourg afin d’y parfaire sa technique. A peine arrivée, l’atmosphère du lieu, étrange et inquiétante, surprend la jeune fille. Et c’est là qu’une jeune élève est spectaculairement assassinée…

« Dario Argento réalise sa version gore et sous acide de Blanche-Neige et les sept nains, soit un conte sanglant aux éclairages surréalistes et aux scènes de violence paroxystiques, proches du Grand-Guignol et de la transe vaudou. Suspiriademeure une des expériences cinématographiques qui s’apparentent le plus à un cauchemar, en raison de la rupture volontaire du cinéaste avec la logique narrative et l’agressivité inouïe de ses images, et ressemble davantage à un opéra rock psychédélique qu’à un film d’horreur traditionnel. Chez Argento, cinéaste de la surface, la profondeur (psychologique ou visuelle) n’existe pas. »Olivier Père

 

 PHENOMENA

Italie, 1984, 1h49 – Visa 60170

Avec Jennifer Connelly, Donald Pleasence, Daria Nicolodi

Jennifer Corvino se rend en Suisse afin de poursuivre ses études au sein d’un établissement scolaire privé. Un soir, lors d’une crise de somnanbulisme, la jeune fille assiste au meurtre d’une étudiante.

« Phenomena marque un tournant dans la carrière du cinéaste italien, qui puise comme à son habitude dans le cinéma expressionniste et les productions de Val Lewton (une scène entière est calquée sur l’introduction de La Malédiction des hommes-chats), mais délaisse les outrances baroques et sanglantes de Suspiria ou Ténèbres et oriente son film du côté de Lewis Carroll et du conte de fées. Sa frêle héroïne, qui possède la beauté lunaire de Jennifer Connelly (découverte par Argento dans le film de son ami Sergio Leone Il était une fois en Amérique), traverse en somnambule un univers terrifiant peuplé d’humains monstrueux et d’animaux bienveillants. Argento compose avec les éléments naturels (l’eau, le vent, la nuit, la forêt) un fascinant jeu de piste onirique, traversé de pièges, d’énigmes visuelles et d’instants magiques. » Olivier Père

 

 OPÉRA

Italie, 1987, 1h47, Inédit au cinéma

Avec Cristina Marsillach, Ian Charleson, Urbano Bareberini, Daria  Nicolodi

Suite à l’accident de la cantatrice principale, une jeune chanteuse lyrique, Betty, est choisie pour interpréter le rôle de Lady Macbeth dans l’opéra de Verdi, œuvre ayant la réputation de porter malheur. Commence une série de meurtres dans l’entourage de la jeune femme qui se voit poursuivie par un mystérieux fan possessif.

« Inédit au cinéma, le film est sorti à l époque dans une copie tronquée en VHS en France. DansOpéra,  l’un des chefs d’œuvres oublié de Dario Argento,  le réalisateur fait preuve d’une incroyable virtuosité dans sa mise en scène et d’un sadisme sans retenue lors des nombreuses scènes de meurtres qui parsèment le film.Ponctué par les envolées lyriques de la musique de Claudio Simonetti (Goblins), photographié par Ronnie Taylor (Gandhi) et scénarisé par Franco Ferini (Il était une fois en Amérique), Opéra est une œuvre maudite et puissante, maltraitée par ses producteurs, qu’il est enfin possible de découvrir au cinéma en version intégrale restaurée, validée par le Maestro. »

 

(Profondo Rosso)

Un film de Dario Argento

Avec David Hemmings, Daria Nicolodi, Gabriele Lavia

Italie, 1975, 2h06

Visa 47354

VERSION RESTAURÉE 4K

SORTIE LE 27 JUIN

INTERDICTION AUX MOINS DE 12 ANS

Pianiste de jazz américain installé à Turin, Marc Daly assiste un soir au meurtre de Helga Ullman, une célèbre parapsychologue de passage en Italie. Il tente de lui porter secours, mais en vain. Déclaré témoin oculaire et lui-même victime d’une tentative d’assassinat, il décide de mener l’enquête en compagnie d’une journaliste, tandis que les meurtres se multiplient.

 

 Un chef d’œuvre du triller horrifique incontournable signé par le Maestro Dario Argento, en version intégrale et restaurée.

 

Mise en scène oppressante, scénario labyrinthique, musique lancinante: Dario Argento met nos nerfs à rude épreuve avec ce chef-d’œuvre du thriller horrifique, à la mise en scène baroque dans la grande tradition du « giallo » italien

 « Après trois thrillers à succès qui relancèrent la mode du film à suspens en Italie – les fameux « gialli » – Dario Argento décide de tourner une intrigue policière où les explications rationnelles et psychanalytiques seraient occultées par la folie, l’horreur et le fantastique, dans une mise en scène déchaînée. Il choisit pour cadre Turin, capitale européenne de la magie noire. Les Frissons de l’angoissedemeure l’un des meilleurs films d’Argento et un chef-d’œuvre du cinéma d’épouvante moderne mais c’est avant tout une expérience esthétique hors du commun.

Dans Les Frissons de l’angoisse, Argento prend ses distances avec la notion de réalisme, et même de narration cinématographique classique. Les séquences nocturnes, les plages silencieuses ou musicales, les meurtres sanglants, filmés comme des rituels sadiques annoncent les futurs sabbats psychédéliques de Suspiriaet Inferno. Argento systématise aussi son recours aux inserts macroscopiques sur des objets et fétiches, filmés avec une caméra spéciale, qui symbolisent la psyché perverse du tueur lors de séquences autonomes et musicales.

Argento imagine un monde entre fantasme et cauchemar où le rock hard et répétitif des Goblins, la peinture métaphysique de De Chirico, les tableaux d’Edward Hopper et l’architecture turinoise sont convoqués pour créer un opéra visuel et sonore qui propose en outre une approche sémiologique des images. Argento, cinéaste cinéphile, en s’inspirant de Blow Upd’Antonioni, délivre une pensée intuitive sur l’art, l’illusion et la réalité. Dès son premier giallo, L’Oiseau au plumagede cristal, Argento s’imposait en virtuose maniériste de la peur. Cinéphile, il jouait déjà avec la croyance du spectateur dans les images, en faussant les perspectives et les points de vue.

Argento, avec son approche instinctive du cinéma, n’en demeure pas moins un cinéaste plasticien. Dans ses films la résolution de l’énigme se dissimule toujours dans un élément de décor, un miroir, un tableau, un motif de papier peint ou même une image imprimée sur la rétine. Une image cache une autre image, une surface neutre et plate peut contenir un terrifiant secret. Les Frissons de l’angoisseen offre la démonstration la plus brillante, avec une idée géniale sur laquelle s’ouvre et se referme le film. Les sens du spectateur sont trompés en même temps que ceux du personnage principal. Ce sont souvent d’œuvres d’art, manifestations extérieures d’un inconscient tourmenté, que jaillissent littéralement les pulsions mortelles dans les films d’Argento.

La version intégrale des Frissons de l’angoisse, longtemps invisible en France, est plus longue d’environ trente minutes. Chez nous le film avait été sévèrement tronqué par le distributeur qui l’avait transformé en petit film d’horreur incohérent. Le montage italien restitue les visions du cinéaste dans toute leur splendeur baroque, mais aussi des intermèdes humoristiques où le musicien et la journaliste, détectives en goguette, s’étrillent sur le thème du féminisme, écho lointain de la « screwball comedy » hollywoodienne. »

Olivier Père

 

Un film de Antonio Pietrangeli

Avec Alberto Sordi, Nino Manfredi, Sandra Milo

Italie, 1955, 1H30, DCP

Visa:19272

EN VERSION RESTAURÉE 2K

SORTIE LE 5 SEPTEMBRE 2018

Paolo Anselmi est un homme célibataire et heureux.Il vit dans un appartement avec un ami, mais il est forcé de partir lorsque ce dernier se marrie. Il emménage alors dans une pension, où il fait la connaissance d’une jeune femme qu’il courtise. Mais il se défile lorsqu’elle lui propose un mariage. Alors qu’il rend visite à sa mère, Paolo se rend compte que celle-ci cherche aussi à jouer les entremetteuses…

 

 

Après un premier film placé sous les auspices du néoréalisme et d’une attention inédite envers la condition féminine, Antonio Pietrangeli s’attaque à un nouveau registreavec Le Célibataire, comédie spécialement conçue pour Alberto Sordi, déjà grande stardu comique italien. À l’inquiétude du regard porté sur le parcours de Celestina (Irene Galter) dans l’Italie d’après-guerre (Du Soleil dans les yeux, 1953), se substitue la force satirique du portrait de Paolo Anselmi (Alberto Sordi), célibataire hédoniste et fanfaron. Analysant le mouvement de libéralisation des mœurs dans l’Italie de la reconstruction depuis un point de vue désormais masculin, Le Célibataire constitue une preuve éclatante de la capacité de la comédie de mœurs à mettre en scène les angoisses qui accompagnent les transformations de la société italienne.

Loin d’oublier son passé de critique et l’engagement qui caractérisait ses revendications pour un cinéma réaliste tout au long des années 1940, Pietrangeli trouve dans la comédie l’occasion d’approfondir son analyse des rapports entre les sexes, et de s’inscrire de façon originale dans le renouveau du comique italien. À partir du Célibataire, il inaugure ainsi une collaboration féconde avec les scénaristes Ruggero Maccari et Ettore Scola, dont l’écriture satirique alimentera d’autres comédies commeLe Cocu magnifique (1964)et Annonces matrimoniales (1964), à travers lesquelles Pietrangeli apparaît comme l’un des principaux cinéastes à s’être intéressé aux ambiguïtés de la condition masculine dans l’Italie du miracle économique. Dans Le Célibataire, il sait tirer profit de la spécificité du jeu d’Alberto Sordi et de sa gestuelle nerveuse, pour faire de son agitation et de sa logorrhée le signe d’une angoisse existentielle : Paolo Anselmi est envahi de tics nerveux, et ne cesse de se toucher les cheveux ou de se regarder dans le miroir, comme pour s’assurer de sa propre existence. Derrière la cruauté de son comportement avec les femmes et sa mesquinerie, se révèle progressivement la misère de son existence solitaire dans la pension où il dû poser bagages après le mariage de son colocataire. Ses fanfaronnades de célibataire libertin créent ainsi un écart grotesque avec une réalité qu’il assume de plus en plus difficilement : le soir, pour exorciser son angoisse nocturne, il s’adresse à lui-même comme un enfant qui a peur du noir.Le personnage incarné parAlberto Sordi provoque ainsi un rire plus empathique que cruel ; son parcours révèle le pathétique d’un mode de vie qui n’est choisi qu’en apparence, peut-être par incapacité à s’adapter à une existence conventionnelle, mais sans doute aussi parce que tout ce qu’il rencontre autour de lui n’est qu’une solitude masquée de joie. C’est ce que suggère son rapport aux femmes, au sein des multiples relations esquissées : elles ne sont jamais considérées comme de véritables promesses de bonheur. Parce qu’il illustre la capacité de Pietrangeli à recomposer les genres au profit d’une interrogation existentielle subtile, Le Célibataireannonce la spécificité du registre de la comédie « à l’italienne », où le rire évoque souvent les situations les plus dramatiques. Le masque comique que Paolo Anselmi oppose préfigure déjà celui du personnage d’Adriana, dans le mélodrame Je la connaissais bien (1965).

Esther Hallé

 

Un film de Francesco ROSI

Avec Alberto Sordi, Renato Salvatori, Belinda Lee

Italie, 1959, 1H51, DCP Version restaurée

SORTIE LE 23 AÔUT 2017

 

Mario, ouvrier italien part pour l’Allemagne la tête pleine de rêves et d’espoirs. Ayant épuisé toutes ses économies, il rencontre Totonno un compatriote qui le prend à son service.

Mais le trafic auquel se livre Totonno se révèle plus que douteux…

 

«Le destin d’une bande d’escrocs italiens, opérant dans une Allemagne encore en -reconstruction, annonce évidemment le cinéma social du maestro. Mais la présence détonante d’une star comique, Alberto Sordi, change la donne. En deux-trois impros gags – comment vendre un tapis à une gretchen, fourguer du tissu à une veuve éplorée -, le grand Alberto dévie le néoréalisme finissant vers un burlesque inattendu. ».

Télérama

 

« Dans la grisaille de l’Allemagne des années cinquante, un trait de lumière et une boule de feu. Le trait, acéré, c’est le regard de Francesco Rosi, chroniqueur de ses compatriotes exilés et qui vivotent entre petits trafics et grandes palabres, au carrefour du néoréalisme et du thriller. La boule de feu, c’est Alberto Sordi, tonitruant, cynique, larmoyant, esbroufeur de génie et paumé…formidable. »

Jean-Michel Frodon

Un film de Allen BARON

Avec Allen Baron, Molly McCarthy, Larry Tucker

USA, 1961, 1H17, DCP

Visa:115751

Sortie le 6 décembre

EN VERSION RESTAURÉE

Retiré des affaires depuis quelques temps, Frankie Bono, tueur à gages, revient à New York pour un dernier contrat : l’assassinat d’un gangster de moyenne envergure.Lors de sa traque, il s’emploie à éviter tout contact avec sa future victime.Mais excédé et distrait par sa rencontre avec une vieille connaissance, il va commettre une nouvelle erreur…
A propos

Cinquante-six ans après sa réalisation, en 1961, et sa présentation au Festival de Cannes, ressurgit un thriller plus noir que son destin, Baby Boy Frankie , qui reprend son titre original Blast of Silence. Ce film est le grand œuvre d’Allen Baron – acteur, réalisateur, scénariste – à peu près aussi méconnu que son film, comme s’il avait épuisé tout son génie dans le New York qu’il nous donne à voir : noir et blanc comme l’hiver à Manhattan, glacial comme le vent mauvais des interstices, glauque comme le mal qui habite les gangsters. Unique par l’étrangeté de son genre, ce thriller psychologique est l’introspection existentielle d’un homme qui sait qu’il est trop tard : sa fin est écrite.

Blast of Silence reprend tous les ingrédients du polar noir américain. Un tueur à gage, de retour dans la ville qui l’a vu naître, a rendez-vous avec son destin. Son dernier contrat aura l’issue tragique attendue par lui, et par nous. Tout est là, dans cette tragédie classique, comme dans un récit mythologique.
Et pourtant tout nous surprend, nous tient en haleine. La beauté sublime des images, la noirceur de l’introspection déversée par la voix off du tueur, la modernité et l’inventivité de la réalisation.

Mal avec lui-même, mal avec les autres, le héros nous entraîne dans un dernier voyage, au bout de ce que l’humanité peut avoir d’infernal.

”Un de mes films préférés sur New York.”

MARTIN SCORSESE